Государственная третьяковская галерея, произведения айвазовского

Василий Верещагин. Апофеоз войны (1871)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Необычная деталь – у этой картины есть надпись на раме: «Посвящается всем великим завоевателям – прошедшим, настоящим и будущим». Считается, что все остальные работы художника – репортажные, на них он изображал то, что видел в реальности, участвуя в военных кампаниях русской армии. И тольно на этой – события давней истории, а точнее – XIV века.

Жестокий полководец Тамерлан, завоевав и разграбив Дели, отдал приказ обезглавить более 100 тысяч мирных жителей и сложить из их голов огромные пирамиды, прославляющие его как полководца. Подобная гора черепов кисти Верещагина стала жутким символом бессмысленности жертв всех войн на земле.

Михаил Врубель. Демон сидящий (1891)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Лермонтов писал поэму «Демон» 10 лет. Врубель работал над своими демонами двенадцать. «Демон сидящий», «Демон летящий», «Демон поверженный» и еще сотни эскизов. А в итоге лермонтовского падшего ангела уже трудно представить другим.

Можно, конечно, рассуждать об особой врубелевской манере письма, о том, что он искусственно сужает пространство, заставляя духа изгнания сутулиться и задыхаться, как в заточении. Но даже это не объясняет, почему подходишь к этой картине – и проваливаешься в потусторонний мир, где нет ни времени, ни рациональных категорий.

Кузнецов Павел Варфоломеевич, «Вечер в степи», 1912 год

Кузнецов Павел Варфоломеевич, «Вечер в степи», 1912 г.

Кто такой Павел Кузнецов?

Кузнецов – художник из Саратова. Он родился и рос в творческой обстановке, в семье иконописца. С детства занимался в студии живописи, где на творческую молодежь влияли талантливые наставники. Значимым учителем для Кузнецова был Борисов-Мусатов; его работы также есть в Третьяковской галерее.

Павел Кузнецов сотрудничал с Петровым-Водкиным, их совместный проект – роспись в церкви Казанский Божьей Матери в Саратове. К сожалению, труды быстро уничтожили – они были далеки от канонов церкви.

В 1907 году Кузнецов, Сарьян, Уткин и другие живописцы, товарищи Борисова-Мусатова, объединились под названием «Голубая роза». Общество вошло в историю русской живописи, оно было уникальным. Художники писали в стиле символизм, часто в голубых тонах. Образы были романтичные, легкие и мистические. Но, чем старше становился Кузнецов, тем чаще он писал в стиле модерн.

Кузнецов был признан при жизни. Его работы выставляли и покупали не только в России, но и в Париже. Кузнецов с 1906 до конца жизни был участником Осеннего Салона.

Как появилась картина «Вечер в степи»?

В 1912 Павел Кузнецов около года путешествовал по Центральной Азии. Он знакомился с традициями восточных народов и наблюдал за кочевниками. Кузнецов понял: простая и слегка дикая жизнь в степи скрывает Космическую тайну и покой. Сюжет для полотна родился сам собой.

Кузнецов берет холст, любимую темперу и кисти, продумывает гамму. Решено – основным цветом должен стать небесно-голубой и его оттенки. Цвет чистого степного воздуха, покоя и баланса. Яркий оранжевый – гармоничный контраст к прозрачному голубому; именно такого оттенка жаркий закат в степи.

Темперная живопись Кузнецова, в отличие от масляной, – легкая, воздушная. Цвет и композиция задают настроение «Вечера в степи», а не структура мазков. В композиции художник использует плавные линии и изгибы

Павел Кузнецов уделяет внимание ритму – спины овец повторяют созвучные голубые холмы. Работы Павла Кузнецова из киргизской серии напоминают сказку об идеальной жизни на земле, в которую зритель верит

И даже смотрит на картину украдкой, словно «со стороны», чтобы не нарушить покой ее жителей.

В каком стиле выполнена картина?

В Азии Павел Кузнецов написал серию работ, которую относят к направлению ориентализм. «Вечер в степи» открывает бытовые сюжеты из жизни Киргизии через призму восприятия художника. Живописцы-ориенталисты писали выдуманные или реальные сцены о Востоке – каким он был или хотел им казаться. Также «Вечер в степи» – это пример русского модерна. Картину относят к этому стилю за плавные, природные линии, текучие формы и выраженный ритм в композиции.

Интересные факты

• Кузнецов выбрал для полотна технику темперы, чтоб добиться матового света. Он считал, что в работе не может быть лишнего масляного блеска и структуры. Оранжевый контраст напоминает огненный закат в горах Кавказа.
• Павел Кузнецов наблюдал за натурой, но никогда не переносил ее «дословно» в работы. Художник исключил из сюжета этнические детали – он смело обобщает. Зачем? Чтобы, подобно Гогену, через сцены из жизни говорить в законах Космоса.
• Чтобы понять тайну рождения, Кузнецов временно работал акушером. Художник считал, что оттенки голубого точнее всего отражает духовную сторону загадочного процесса появления на земле.

Виртуальное путешествие по Третьяковской галерее закончилось. Здорово, что вы остались с нами до конца, и вам было интересно. Значит инвестиции Павла Третьякова окупились сполна. А вы легко поддержите разговор о прекрасном с бокалом просекко, устроите экскурсию для друзей или блеснете знаниями на тесте по искусству.

На Losko вышла увлекательная биография Рема Колхаса – архитектора, который планирует реконструкцию Новой Третьяковки, получится самое масштабное музейно-выставочное пространство в Москве. Если вам по душе подборки, почитайте про известные работы в стиле сюрреализм и про 5 шедевров мировой живописи. 

«Ашрам», Рерих Николай Константинович, 1931 год

«Ашрам», Рерих Николай Константинович, 1931 г.

Кто такой Рерих Николай?

В Рерихе ужились несколько личностей – художник, дизайнер, археолог, историк и юрист. Множество талантов и склонностей вызвали муки в выборе профессии: Николай учился сразу на историческом и юридическом факультетах. В студенчестве у него было шутливое прозвище – «белоснежка», потому что Рерих густо краснел, когда слышал ругательства. Позже юрист и художник Рерих создал пакт – первый документ, который защищал культурное наследие.

Николай Рерих был бережливый аскет, он объездил десятки стран с одним несессером и единственным фраком для важных встреч. Увлечение археологией видно в картинах. Рерих лично проводил раскопки, рисовал древние породы, записывал народные легенды. Стиль Николая в живописи публика оценила сразу – его дипломную работу «Гонец. Восстал род на род» купил Третьяков.

Рерих исполнил мечту жизни: путешествовал по диким регионам Центральной Азии по пути Индия — Китай — Алтай — Монголия — Тибет — Индия. Там Рерих написал множество полотен. Он собрал уникальный материал для науки и основал в Индии высокогорный Институт «Урусвати».

Художник и исследователь космический эволюции, Рерих предвидел многое. Ищите ответы в его полотнах, книгах, театральных постановках.

Как появилась картина «Ашрам»?

Рерих написал «Ашрам», когда путешествовал по Азии. У полотна есть одноименные картины-собратья, которые разбросаны по России. Что художник имел в виду, когда придумывал название?

В Древней Индии, Ашрам – место для уединения и молитвы мудрецов. Путь туда знают немногие – оно спрятано от цивилизации в ущелье или в лесу. В «Ашраме» Рерих позволяет зрителю увидеть священное место словно из-за кулис. Спокойная гладь воды и лодка надежно спрятаны за величавыми бамбуками, они скрывают Царство духа. Путешествие к Истине и тайне веков начинается отсюда.

В каком стиле выполнена картина?

Произведения Рериха, в том числе «Ашрам» – это модерн. Легко догадаться, что стиль означает новый взгляд на живопись. Не путайте модерн с созвучным словом «модернизм» – сюда входит авангард и экспериментальные техники в искусстве. Художники-модернисты основывались на традициях прошлого, брали оттуда эталоны Красоты. Черты русского модерна – декоративность, космическое видение, достижения науки и техники.

Интересные факты

1. На полотне изображен пейзаж Цейлона. Удивительно, что Рерих написал виды Шри Ланки, но исторических записей, что он останавливался на острове, нет.
2. Другие полотна серии «Ашрам» находятся в Музее Рериха в Нью-Йорке и в Государственном Музее искусства народов Востока в Москве.
3. Рерих редко писал маслом, оно казалось художнику слишком плотным и темным. Он любил легкую темперу немецкой марки «Вурма». Воздушная краска быстро сохла, что помогало путешествовать с работами.

История галереи

Художественное собрание картин содержалось за счет завещанного капитала Третьякова – 125 000 рублей. Еще 5 000 ежегодно доплачивало государство. На проценты от денег мецената приобретали новые картины.

Галерея размещалась в доме, купленном Третьяковыми в 1851 году. Однако, коллекция постоянно росла, и места для нее не хватало. Музейное здание несколько раз перестраивалось. В начале прошлого века у него появился выразительный фасад, спроектированный архитектором Василием Николаевичем Башкировым по эскизам, которые создал художник Василий Васнецов. Сегодня красивый фасад в псевдорусском стиле стал одним из узнаваемых символов московского музея.

Зал № 25 — «Утро в сосновом лесу» — 1889 (Иван Шишкин, Константин Савицкий)

В 1913 году попечителем художественного собрания избрали живописца Игоря Грабаря. Вскоре после революции, коллекция получила статус государственного музея. Грабарь ввел расположение картин по хронологии и создал фонд, благодаря которому можно было пополнять музейные коллекции.

В 1920-е годы галереей заведовал известный архитектор Алексей Щусев. Музей получил еще одно здание, и там разместились администрация, научная библиотека и фонды графических работ.

Зал № 27 — «Апофеоз войны» — 1871 (Василий Верещагин)

В 1930-х годах в стране проводили активную антирелигиозную кампанию. Власти на местах закрывали обители и церкви, забирали принадлежащее им имущество и арестовывали священников. Под лозунгами борьбы с религией был закрыт Никольский храм в Толмачах. Освободившееся культовое здание пустовало недолго, и его передали музею в качестве запасника для хранения живописи и скульптурных работ.

Позже церковь соединили с музейными залами корпусом в 2 этажа, и здесь стали демонстрировать огромное полотно «Явление Христа народу», написанное художником Ивановым. Потом появился новый «щусевский» корпус. Поначалу там проходили выставки, но с 1940 года новые залы включили в главный музейный маршрут.

Иконы в Третьяковской галерее

В начале войны, когда фашисты рвались к столице страны, галерею начали демонтировать. Все полотна аккуратно вынули из рам, скатали на деревянные валы, и, переложив бумагой, упаковали в ящики. В июле 1941 года их погрузили в железнодорожный состав и вывезли в Новосибирск. Часть галереи отправили в Молотов – нынешнюю Пермь.

Открытие музея прошло уже после Дня Победы. Экспозицию полностью восстановили на прежних местах, и, к счастью, ни одна из картин не была утрачена или испорчена.

Зал № 10 — «Явление Христа народу» — 1837–1857 (Александр Иванов)

К 100-летию открытия музея был возведен зал для работ известного русского живописца Иванова. А в 1980 году перед музейным зданием появился монумент Павлу Третьякову работы скульптора Александра Павловича Кибальникова и архитектора Игоря Евгеньевича Рожина.

К 1980-м годам здесь хранилось более 55 тысяч картин. Количество посетителей настолько выросло, что здание необходимо было срочно расширять. Перестройка заняла несколько лет. Музей получил новые помещения для хранилища картин, депозитария и работы реставраторов. Позже возле основного здания появился новый корпус, который назвали «Инженерным».

Зал № 19 — «Радуга» — 1873 (Иван Айвазовский)

«Княжна Тараканова», К. Д. Флавицкий

Картина написана в 1864 году, Третьяков купил ее для своей галереи уже после смерти художника.

Сюжетом произведения стало предание о гибели молодой женщины. Княжна Тараканова – самозванка, авантюристка, которая выдавала себя за наследницу русского престола (дочь Елизаветы Петровны).

На картине изображена девушка, которая стоит на кровати в тюремной камере. Комнату заполняет вода. У ее ног крысы, которые заползают на кровать. Они надеются на спасение, а княжна Тараканова понимает, что ей никто уже не поможет.

Девушка закрыла глаза и подняла лицо к небу. Картина основана на контрастах, благодаря мелким деталям ему удалось передать трагичность происходящего события. Царская семья была очень недовольна произведением Флавицкого.

Флавицкий решил написать картину на основании известного предания. Благодаря художнику, люди стали думать, что княжна действительно погибла от наводнения.

Василий Суриков. Боярыня Морозова (1887)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Огромное полотно, 3,04 на 5,87 м, рассказывает о реальном событии: в ноябре 1674 года боярыню-староверку отправили в заточение в земляную тюрьму одного из монастырей, где она вскоре умерла.

Феодосия Морозова была приближенной царя Алексея Михайловича, носила при дворе чин верховной боярыни. В 30 лет осталась вдовой, но влияния и богастства не растеряла. Феодосия не приняла церковные реформы патриарха Никона, последовав в вопросах веры за протопопом Аввакумом. Даже приняла тайный постриг в монахини. За приверженность старообрядчеству она и пострадала.

Суриков рассказывал об этом образе так: «Раз ворону на снегу увидал. Сидит ворона на снегу и крыло одно отставила. Черным пятном на снегу сидит. Так вот этого пятна я много лет забыть не мог. Потом „Боярыню Морозову“ написал».

Основатель музея

Павел Третьяков родился в 1832 году в семье московского купца. Он был старшим из 12 детей и воспитывался вместе с младшим братом Сергеем. Став взрослыми, братья основали несколько бумагопрядильных фабрик и сумели заработать большое состояние, которое оценивалось в огромную по тем временам сумму в 3,8 млн рублей.

Мало кому известно, но вначале Третьяков увлекся коллекционированием полотен западноевропейских мастеров. Он не имел опыта, совершал случайные приобретения и за несколько лет скупил несколько картин и графических работ голландских художников. Начинающий коллекционер сразу же столкнулся с проблемой определения подлинности старых картин. Он быстро понял, как много подделок существует на рынке живописи и принял решение покупать работы у самих художников. Этому правилу основатель галереи следовал до самой смерти.

Зал № 9 — «Всадница» — 1832 (Карл Брюллов)

В середине XIX века Павел увлекся собиранием картин русских живописцев. Первыми купленными полотнами были работы художников Шильдера и Худякова. В 1851 году он стал владельцем просторного дома, приобретенного специально для растущего музея.

Через 16 лет братья Третьяковы открыли частное собрание картин для московской публики. К этому времени в галерее насчитывалось более 1200 живописных полотен, 471 графических работ, несколько скульптур и множество икон. Кроме того, здесь было выставлено свыше 80 произведений зарубежных художников.

Зал № 26 — «Богатыри» — 1881 — 1898 (Виктор Васнецов)

В конце лета 1892 года, после того, как умер его брат, Павел обратился в городскую думу Москвы и передал коллекцию городу. Его наградили званием почетного жителя и назначили пожизненным попечителем музея.

Третьяков много помогал русским живописцам. Он заказывал талантливым художникам полотна на исторические темы и портреты выдающихся россиян. Иногда меценат оплачивал живописцам дорогу до нужного места. Третьяков умер в возрасте 65 лет, в 1898 году.

Зал № 28 — «Боярыня Морозова» — 1884 — 1887 (В. И. Суриков)

Интересные факты о музее

Защитой картин от вандалов занимаются все художественные музеи мира, и галерея в Москве – не исключение. В январе 1913 году здесь случилось несчастье. Неуравновешенный зритель набросился на знаменитое полотно Ильи Репина и порезал его. Картина, изображающая русского государя Иоанна IV Грозного и его сына, получила сильные повреждения. Хранитель музея Хруслов, узнав о нападении, от отчаяния покончил с жизнью. В реставрации картины участвовал автор и другие художники, и лица героев воссоздали заново.

Весной 2018 года произошла очередная трагедия с той же картиной. Пьяный вандал разбил стекло, которое защищало полотно, и в трех местах повредил его центральную часть. Позже он не смог внятно объяснить сделанное.

«Осада Пскова польским королём Стефаном Баторием в 1581 году» — 1839-1843 (Карл Брюллов)

За путенепробиваемым стеклом в галерее хранится одна из самых почитаемых русских икон – Божия Матерь Владимирская. Этой реликвии более десяти веков. По преданию знаменитая икона защитила москвичей и спасла город от нашествия войск хана Мехмет-Гирея. Так как красочный слой со временем начал отслаиваться, реставраторы провели восстановительные работы, но не тронули лики Богоматери и Иисуса.

Илья Репин. Не ждали (1988)

Картину Репина «Не ждали» знают, наверное, все в России. Раньше по ней в школах полагалось писать сочинения. А в наше время по просторам интернета ходит множество мемов. Один из них припасен для вас в нашей небольшой галерее, после двух вариантов знаменитого холста (оба находятся в Третьяковке). В более раннем «не ждали» девушку-курсистку.

По сюжету политический ссыльный возвращается с каторги домой, и потерявшие надежду его увидеть близкие испытывают самые разные чувства. Вплоть до испуга младшей дочки, которая совсем не помнит отца. Позировали художнику его близкие – жена, дочь, теща, друзья. А главный герой написан с писателя Всеволода Гаршина. По совету Третьякова, кстати, который не хотел покупать картину и требовал переписать лицо ссыльного. Репин обиделся, но переписал. Правда, и цену поднял.

Музейный комплекс

Кроме главного здания в Лаврушенском переулке, Третьяковской галерее принадлежит большой выставочный комплекс на Крымском Валу, 10. В нем экспонируются произведения известных художников XX-XXI веков. Третьяковка также курирует несколько мемориальных музеев художников и скульпторов в городе.

Зал № 17 — «Тройка» («Ученики мастеровые везут воду») — 1866 (Василий Перов)

Музейный комплекс работает и принимает москвичей и туристов круглый год. Галерея – это не только большие и маленькие залы с картинами. Здесь проводят лекции, показы кинофильмов, концерты, спектакли и творческие встречи с художниками.

Двери галереи открыты для гостей во вторник, среду и воскресенье с 10:00 до 18:00, а по четвергам, пятницам и субботам с 10:00 до 21:00. Следует иметь в виду, что музейные кассы прекращают продавать билеты за час до закрытия. Посетителей до 18 лет в галерею пускают бесплатно. Билеты на выставки действительны в течение месяца, но пройти по ним можно в порядке живой очереди.

Зал № 3 — «Портрет Петра III» — 1762 (Антропов А.П.)

Экспозиции осматривают самостоятельно или в составе экскурсионных групп. Для удобства посетители могут воспользоваться бесплатными мобильными аудиогидами.

Профессиональные экскурсоводы проводят по залам обзорные и тематические экскурсии. Во время них туристам рассказывают об истории создания отдельных картин, знакомят с древнерусским искусством, шедеврами живописи XVIII и XIX веков, творчеством художников-передвижников и русским авангардом.

Зал № 26 — «После побоища Игоря Святославича с половцами» — 1880 (Валентин Байгильдин)

Иван Крамской. Неизвестная (1883)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Едва ли не самый скандальный и загадочный портрет в истории. Крамской представил «Неизвестную» публике на выставке передвижников в марте 1883 года. Написана она была вызывающе «не в духе» товарищества художников. Дама была вызывающе дорого одета: модный берет «франциск» с пером, пальто дорогого сукна и муфта, отделанные соболем, лайковые «шведские» перчатки. К тому же передвигаться одной в коляске даме высшего света было неприлично. Павел Третьяков отчего-то отказался покупать ее для галереи, и полотно долго кочевало от одного владельца к другому, принося им, по легенде, несчастья. Пока все-таки не оказалось в Третьяковке.

Но самой главной тайной стала сама героиня. Все видели в ее лице что-то смутно знакомое, но никто не мог сказать наверняка, что за женщину изобразил художник. Версий несколько. По одной, это простолюдинка Матрена Саввишна, на который женился, влюбившись, молодой граф Бестужев. Потом, впрочем, разочаровался и бросил ее, а девушка умерла по пути в услужение к прежней барыне. Другая, еще более скандальная версия, – на портрете княжна Екатерина Долгорукова, невенчанная супруга императора Александра II, которая пошла ради любви против света.

И еще одна версия: Крамской увидел камею с портретом грузинской княжны Варвары Туркестановой и был поражен рассказом о судьбе фрейлины вдовы Павла I Марии Федоровны. Быть красивой и обладать острым умом – опасно для девушки при дворе. Император Александр I был покорен, но тайная связь не принесла княжне счастья. Она пыталась найти утешение в любви другого, родила дочку и покончила с собой, не выдержав позора.

«Богатыри», В. М. Васнецов

В 1898 году Третьяков купил знаменитую картину у Васнецова. Художник работал над ней около двух десятков лет. Это изображение трех богатырей, легендарных Ильи Муромца, Алеши Поповича и Добрыни Никитича.

Картина символизирует дух русского народа. Каждый богатырь наделен определенными качествами, которые так характерны для русского человека. Илья Муромец спокоен и уверен в себе, это сила и могущество. Добрыня Никитич – представительный и величавый, он умен и обладает глубокими знаниями. Алеша Попович – смелый, но молодой и веселый.

«Заморские гости» Н. К. Рерих (1901)

Это роскошное по красоте полотно словно продолжает сюжет предыдущей картины и напоминает иллюстрацию к сказке о царе Салтане, где сказочные гости едут к острову Буяну на своих диво-ладьях. На самом деле, Рерих изобразил историческое прибытие варягов на Русь.

Стиль модерн успешно соединяет живопись и декоративно-прикладное искусство. Это единение позволяет художнику передать красоту ладьи, которая вырывается из рамок картины и стремительно движется на зрителя. Это ощущение возникает из-за изгиба ярких парусов, их отражения в волнах реки и белоснежных чаек, кружащих над волнами.

Федор Решетников. Опять двойка (1952)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Еще одна картинка из школьных учебников. На самом деле художник сначала написал другую работу – «Прибыл на каникулы». Юный суворовец приезжает в родной дом на Новый год, а дед встречает его по стойке смирно, демонстрируя военную выправку. И вот в продолжение серии положительных образов советских школьников Решетников задумал картину об отличнике. Отправился в школу на урок, сел с блокнотом на заднюю парту, а учительница вызвала к доске лучшего ученика. Но тот занервничал, приняв его за проверяющего, растерялся и не смог решить задачу. В набросках мальчишка получился грустным, виновато опустившим голову. В процессе работы автор «перенес» его из школьного класса в домашнюю обстановку. Теперь «Опять двойка» и напоминает о прежних методах школьного воспитания и о том, как последующие поколения вымучивали сочинения на заданную тему.

А знаете, что оказалось самым сложным в работе над картиной? Заставить собаку подольше постоять на задних лапах! Для этого ей скормили немыслимое количество бутербродов.

Павел Третьяков первый русский продюсер

Увлекательно об искусстве: 12 образовательных Instagram-аккаунтов

История Третьяковской галереи

Датой основания Третьяковки считается 1856 год. Именно тогда Павел Михайлович Третьяков, купец по роду деятельности, приобрел две первые картины русских художников «Искушение» Н.Г. Шильдера и «Стычка с финляндскими контрабандистами» В.Г. Худякова. В конце 50-х годов он пополняет свою коллекцию работами   И.И. Соколова и В.И. Якоби, А.К. Саврасова и М.П.Клодта. В это время у Павла Третьякова появилась мечта создать музей, в котором будут представлены работы русских живописцев. Свою коллекцию он начал собирать с нуля. Коллекционер приобретал все лучшее, что было на художественном рынке из работ русских художников. По складу характера Павел Третьяков был не просто коллекционером. Он обладал широкими познаниями в области литературы и живописи, театра и музыки. Как писал про него художник и критик А.Н. Бенуа «…Третьяков по натуре и знаниям был ученый». Он безошибочно выбирал все лучшее, что создавала русская живопись. Как сказал про него художник Крамской: «Это человек с каким-то, должно быть, дьявольским чутьем». Он был на открытии всех выставок в Москве, в Петербурге. Картины еще не развесили в выставочных залах, а он успевал осмотреть их в мастерских и прицениться. Он был впереди всех. Бывали случаи, что  даже царь, подойдя к понравившейся картине, читал, что «куплено господином Третьяковым». Он говорил: «Мы работаем для русского народа».

В своем первом завещании в 1860 году, Третьяков оставил 150 тысяч рублей серебром на создание в Москве «художественного музеума или общественной картинной галереи…». Он создавал первый в России музей, отражающий развитие русского искусства и хотел, чтобы музей стал общедоступным.  Будучи богатым, он старался не переплачивать посредникам. И считал: «Чем больше средств сэкономишь, тем больше картин произведений искусств можно собрать». Павел Михайлович Третьяков избегал роскоши и излишеств.  Он помогал нуждающимся художникам, вдовам и сиротам. Достраивал и расширял музей.

В 1867 году открылась галерея, в которой была представлена коллекция Павла и его брата Сергея. Посетители увидели 1276 картин, 471 рисунок и 10 скульптур русских художников, а также 84 картины иностранных мастеров. Картины Павел Михайлович размещал в своем доме в Лаврушинском переулке. С 1872 по 1874 гг. были построены два музейных зала, которые сообщались с жилыми помещениями. В 1882 году, когда необходимо было разместить Туркестанскую коллекцию, были пристроены 6 новых залов. Дополнительные залы появились также в 1885 и 1892 гг. 1892 год стал для музея знаменательным, в этом году Павел Михайлович Третьяков передал ее в дар городу Москве. Тогда в коллекции было 1287 картин, 518 рисунков и 9 скульптур русских художников XVIII–XIX веков, а также работы западноевропейских мастеров. А через год состоялось официальное открытие Московской городской галереи Павла и Сергея Михайловичей Третьяковых. После смерти Павла Третьякова в 1898 году его дело продолжили другие меценаты.

В 1902–1904 гг. под руководством архитектора А.М. Калмыкова был построен знаменитый Васнецовский фасад, который стал эмблемой Третьяковки. Фасады здания были разработаны архитектором В.Н. Башировым по рисункам художника В.М. Васнецова. 2 апреля 1913 года попечителем музея был избран художник и архитектор Игорь Эммануилович Грабарь. Благодаря ему Третьяковка была сформирована по европейскому типу — по хронологическому принципу. В декабре 1913 года музей был открыт для посетителей. После революции в 1918 году музей стал называться Государственной Третьяковской галереей и был объявлен государственной собственностью Российской Федеративной Советской Республики. Директором музея стал И.Э.Грабарь. Большой вклад в развитие музея, в том числе в его расширение и оснащение, внес академик архитектуры А.В. Щусев. Во время войны большинство экспонатов были эвакуированы в Новосибирск. Само здание пострадало от бомбежки. К 100-летию музея в 1956 году его коллекция насчитывала более 35 000 произведений искусства. Большой вклад в расширение музея внес также Ю.К. Королев, директор музея с 1980 по 1992 гг.  В 1989 году был сооружен новый инженерный корпус, где разместились конференц-зал и информационно-вычислительный центр, детская студия и выставочные залы. После реконструкции в музейный ансамбль Третьяковки был включен памятник архитектуры XVII века — храм Святителя Николая в Толмачах. Он был восстановлен, освящен и стал домовым храмом музея.

«Грачи прилетели», А. К. Саврасов

Эту картину считают самым известным произведением Саврасова. В 1871 году художник посетил село Молвитино. Алексей Кондратьевич очень любил весну. Его вдохновила природа и небольшая церковь (хотя она ничем не отличалась от тысячи других).

Саврасов сразу же приступил к работе. Летом этого же года картина была готова и продана Третьякову.

Она очень полюбилась русскому народу своей простотой, понятна для каждого человека, здесь нет образов и символов. Одно название способно подарить человеку ощущение весны. На первый взгляд пейзаж не отличается оригинальностью. Серый весенний день, грачи облепили березы. На переднем плане – грязный снег, на заднем – церковь и поле.

Художнику удалось передать атмосферу весны, создать ощущение жизни. Успех этого полотна не смог повторить ни один художник, даже сам Саврасов.

«Неравный брак», В. В. Пукирев

За это произведение искусства художника наградили званием профессора. Он написал ее в 1863, в 1871 году ее выкупил Третьяков.

Название картины говорит само за себя. Венчаются молодая девушка-бесприданница и пожилой чиновник.

Есть несколько версий возникновения замысла картины. По одной версии, это личная драма художника, по другой – его близкого друга.

Эта картина привлекает внимание, потому что здесь присутствуют личные переживания, страдания. Если не обращать внимания на детали, картина воспринимается просто как красивое полотно

Это настоящий шедевр, Пукиреву больше не удалось создать что-либо подобное, его даже называли художником одной картины.

«Воспитанница» Н. В. Неврев (1867)

Мастер бытового жанра Неверев Н.В. (автор знаменитого «Торга») один из первых открыто показал обществу всю мерзость и жестокость крепостничества. В картине «Воспитанница» он продолжил тему торговли людьми уже после отмены крепостного права.

Действие происходит в доме богатой дамы, которая проявляет «заботу» о девушке-сироте. Быть может, это бывшая крепостная, которую воспитали соответствующим образом или бедная родственница-бесприданница. В гостиной хозяйки собрались гости: молодой офицер, мелкий служащий и поп. Дама представляет господам свою юную воспитанницу.

Атмосфера в гостиной напряжённая и отталкивающая, ведь девушку предлагают в качестве содержанки за определённую мзду. Идёт скрытая торговля, кто больше даст за неё хозяйке. Молодой офицер отвернулся, пытаясь изобразить непричастность к происходящему. Мадам настойчиво рекомендует воспитаннице служителя церкви, так как он более состоятелен, чем остальные присутствующие.

3

Перов, В. Г. — «Утопленница»

Живописец в своих произведениях продолжил традиции Федотова, обличал уродливые стороны действительности, сочувствовал страданиям народа.

«Утопленница» (1867 г.) — примечательное творение русской живописи. Художник передает великую трагедию, связанную с напрасно загубленной жизнью молодой девушки. Равнодушие жандарма притягивает зрителя к картине, делает его участником страшных событий.

Силуэт погибшей женщины подчеркивает черная одежда и разметавшиеся темные волосы на мостовой. Краски подобраны так искусно, что объединяют в едином цветовом решении раннее утро, наступление осени, одиночество погибшей женщины, представленной в жизни себе самой.

«Купание красного коня», Кузьма Петров-Водкин, 1912 год

«Купание красного коня», Кузьма Петров-Водкин, 1912 г.

Кто такой Петров-Водкин?

Кузьма родился в 1878 году в семье горничной и сапожника. Первую картину мальчик нарисовал на консервной банке: сверкающие молнии, лодка и тонущие люди. Художник подписал работу: «Погибший за других. Вечная тебе память!».

Сначала Петров-Водкин хотел создавать иконы и в детстве изучал технику церковных мастеров. Но художнику не было суждено стать иконописцем: батюшки отказывались освящать его работы, потому что те были «слишком живописны». Один монах даже сказал, что изображённая Дева Мария похожа на плясунью. Тогда Петров-Водкин оставил иконопись и принял решение быть художником.

Как появилось «Купание красного коня»?

До Революции и Первой мировой войны «Купание красного коня» считали бытовым сюжетом. Когда в России начались кровопролития, народ и Петров-Водкин осознали: «Красный конь» – это пророчество, а тот, кто его написал – провидец. Как появился конь, как его понимать?

Летом 1912 года Петров-Водкин заметил лошадь с красивой мордой. Несмотря на то, что животное было старым и измученным, оно вдохновило художника на создание картины. Изначально было придумано несколько вариантов композиции — Кузьма упорно стремился детально проработать сюжет и наделить полотно смыслом.

Критики спорили, кого Петров-Водкин изобразил на коне. Из писем художника можно предположить, что это его двоюродный брат. Другие утверждают, что герой не похож на брата Кузьмы, и на картине мы видим собирательный образ.

На первой выставке в 1912 году публика хвалила картину — это был триумф! Полотно разместили над дверью словно знамя — критики утверждали, что оно сплотило всех. Новое начинание, очищение и победы — вот что увидели зрители в картине.

В каком стиле выполнена картина?

«Купание красного коня» — яркий пример символизма в живописи. Художники, работающие в этом направлении, брали за основу объекты реального мира, наделяя их тайным смыслом. В образе, цвете и форме изображенного скрыты библейские сюжеты, легенды, мифы, древние писания.

Интересные факты

• Всадника сравнивают с Георгием Победоносцем, знаменующим триумф добра над злом. Наездник не похож на жителя деревни: у него тонкие черты то ли святого, то ли представителя богемы.
• Красный конь — символ необузданности и величия жизни. Петров-Водкин объединил традиционный цвет иконописи и любимый образ фольклора.
• Розовый берег ассоциируют с райским садом.
• Водоем – это не географический объект. Петров-Водкин написал эфемерное пространство, где встречаются земная жизнь и высшие миры. Художник смешал символичные цвета: зеленый — цвет жизни, синий — образ небесного царства.

Василий Перов. Охотники на привале (1871)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Самая популярная из целой охотничьей серии работ Перова. Он и сам был заядлым охотником, а в персонажах картины современники без труда узнали его знакомых. Одни восхищались и сравнивали «привал» с охотничьими рассказами Тургенева, другие ругали за неестественность и наигранную театральность. Художник применил интересный прием: «подсветил» руки и лица, придав тем самым жестам и мимике особую выразительность. А уж как выписана дичь! Можно сказать, отдельный натюрморт.

В советские времена «Охотники на привале» пользовались какой-то немыслимой популярностью: на каких только стенах не висели ее репродукции. Если человек увлекался охотой, хорошим тоном считалось непременно вручить ему экземпляр в рамочке.

Василий Суриков. Утро стрелецкой казни (1881)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Реальные исторические события отражены на полотне: в 1698 году царевна Софья возглавила Стрелецкий бунт, который был жестоко подавлен. Петр I сам отрубил головы пятерым приговоренным, а всего было казнено более 2000 человек. Еще несколько сотен публично биты и сосланы. Суриков запечатлел самый трагичный момент – не саму гибель, а прощание с родными привезенных на место казни стрельцов.

Интересно, что художник сблизил исторические сооружения, сократив реальные расстояния между ними. При этом приговоренные (мученики) изображены на фоне храма Василия Блаженного, а Петр I и его приближенные (власть) – на фоне Кремлевской стены.