Самые известные картины русских художников

Илья и Эмилия Кабаковы

View on Instagram

Творческий дуэт концептуалистов и семейная пара по совместительству. Как и многие успешные современные авторы, Илья и Эмилия Кабаковы работают в разных жанрах и с помощью разных инструментов. В их арсенале живопись, графика, макеты, коллажи, внедрение посторонних предметов в арт-объекты. Но главное, чем знамениты художники не только на родине, но и за рубежом, – это тотальные инсталляции. Это значит подробное воссоздание существующего или создание нового пространства. Первое слово, которое приходит на ум при виде их проектов, – «атмосфера». Детализированная инсталляция позволяет буквально окунуться в изображаемое пространство. Что касается тем, то в основном это советский быт и его интерпретации. Например, «Человек, улетевший в космос из своей комнаты»: четыре стены, обклеенные советскими плакатами, раскладушка, банка, пара ботинок, пыль и известка на полу и дыра в потолке – человек-то улетел. Кабаковы переехали в Америку и рассказывали о родном укладе жизни с помощью своих арт-объектов. Кроме того, художники задумываются о диалоге автора с самим собой, о его взгляде на собственное творчество, о смысле жизни и вкладе в искусство. Экспозиции дуэта проходили в музее «Гараж» и в Третьяковской галерее в Москве, в Эрмитаже в Петербурге, в галерее Tate в Лондоне и во многих других выставочных залах в России и за рубежом.

View on Instagram

Наперекор традициям. Топ-15 известных абстракционистов и авангардистов

Абстракционисты покорили многих своим нестандартным видением искусства, потому их произведения и сегодня числятся в списке самых узнаваемых и дорогих. Начнем мы наш список с неординарного художника Казимира Малевича, подарившего миру не только «Черный квадрат» и «Супрематическую композицию», но и сам супрематизм. Неспроста мастер входит в топ-3 русских художников с самыми дорогими картинами, поскольку за его «Супрематическую композицию» заплатили на аукционе 86 млн долларов. Вслед за Малевичем это направление развивали его ученики Александра Экстер, Любовь Попова и Илья Чашник.

К. Малевич. Легендарная картина «Черный квадрат». 1915 г.

А. Экстер. «Пикник на пляже». 1928 г.

Не менее ярко проявили себя в данном направлении и такие представители беспредметной живописи, как отец абстракции Василий Кандинский, разработчики лучизма Михаил Ларионов и Наталья Гончарова. Их полотна также уходили с аукционов за миллионы долларов. Не менее оригинально и востребовано кинетическое искусство Антуана Певзнера и абстрактно-примитивистские полотна Никола де Сталя.

М. Ларионов. «Стекло». 1912 г.

Н. Гончарова. «Портрет Ларионова». 1913 г.

Если абстракционисты предпочитали беспредметную живопись, то авангардисты просто поражали публику своими невероятными формами, красками и отрицанием всех привычных канонов. Так, на картинах одного из самых известных русских авангардистов XX-го века Марка Шагала можно увидеть один и тот же предмет с разных сторон, наложение на одну картину разных времен, идей и перспектив. Эрик Булатов удивляет зрителей своей необычной комбинацией броского текста и самых разных сцен. Кстати, в 2017 году Булатов оказался на втором месте рейтинга InArt самых признанных современных художников России. А картины Павла Челищева сравнивали с живописью Шагала.

М. Шагал. «Я и деревня». 1911 г.

Э. Булатов. «Вход — Входа нет». 1994-1995 гг.

Не менее удивительны работы авангардистов Владимира Баранова-Россине, Сони Делоне и Алексея Моргунова.

С. Делоне. «Певцы фламенко». 1916 г.

№6 Алексей Саврасов (1830—1897 гг.)

«Грачи прилетели», 1871 г. Государственная Третьяковская галерея (Москва), Алексей Саврасов (https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/12/RooksBackOfSavrasov.jpg)Прославленный художник родился в Москве в небогатой купеческой семье, и уже в детстве создавал талантливые пейзажи-зарисовки. Местные жители покупали их с энтузиазмом. Он поступил в училище живописи не сразу, зато звание академика получил всего в 24 года. Именно он положил начало русскому лирическому пейзажу.

В молодости Саврасов много путешествовал по южным губерниям Украины и России. Бескрайние пространства, зелень, красота высокого прозрачного неба вдохновили его написать несколько пейзажей. В одной из этих работ («Степь днем») Саврасов показал степь, которая наполнена нежно-золотистым цветом и расстилается до горизонта.

Самое же известное его полотно — «Грачи прилетели». Впервые оно было представлено на Передвижной выставке. Работа выражает трогательную любовь художника к родной земле и филигранную технику пейзажиста. У Алексея Кондратьевича много и других выдающихся картин — «Радуга», «Лосиный остров», «Рожь», «Проселок», «Оттепель», «Весенний день». Он со светлой грустью изображает летние вечера, деревенские дома, леса и другие узнаваемые атрибуты русского пейзажа.

Саврасов был в почете у императорской семьи, работы охотно приобретали как в России, так и за границей. Также он слыл хорошим педагогом. Его учениками были Михаил Нестеров, Лев Каменев, Исаак Левитан и другие. Картины Саврасова даже в самые мрачные моменты его жизни были романтичны и светлы.  

№ 16. Михаил Ларионов — 2,26 млн фунтов

М. Ларионов. «Натюрморт с кувшином и иконой». 1910–1912

Работы Ларионова ценятся дешевле, чем произведения его жены Натальи Гончаровой. Она вообще была талантливей его, но брак был на удивление счастливым. И официально они оформили свои отношения примерно на 50-й год совместной жизни. Может быть, это один из рецептов?

Этот натюрморт в стиле примитивизм нельзя считать примитивным. Помимо гармоничного сочетания цветов, в нем еще скрыта глубокая символика. Кувшин (возможно, средиземноморская амфора) обозначает западную культуру, справа — среднеазиатский соусник. Между ними большая карта России. Икона — вероятно «Собор Архангела Михаила», небесного покровителя художника. Используя эти предметы, Ларионов рассказывает о том, что составляет его суть как личности.

7. Троица (Андрей Рублев)

Шедевр древнерусской иконописи, «Троицу», приписывают кисти талантливого русского мастера иконописи Андрею Рублеву. Основой послужила библейская притча о чудесном явлении Аврааму трех ангелов, воплощении Бога – Отца, Сына, Святого духа.

На доске изображены три фигуры в одеждах золотистого и лазурного оттенка. Кроткие ангельские лики, спокойные размеренные жесты говорят о неспешной беседе Троицы. По мнению искусствоведов, икона отображает ключевой момент библейской истории – благословение сына Божьего на великую жертву во имя искупления человеческих грехов.

Центр композиции – жертвенная чаша на столе, предмет внимания ангелов. Интересно, что очертания фигур напоминают собой контуры чаши. На заднем плане, над ангелами – дом, дерево, гора. Иконописец передал сущность каждой ипостаси Бога: над Отцом – символ его творящей силы, над Христом – дерево, знаменующее смерть сына Бога и последующее возрождение, над Духом Святым – гора, воплощающая духовное восхождение.

Общий фон картины – светлый, воздушный, передающий небесную эфемерность происходящего. Икона успокаивает, умиротворяет, призывает к миру, добру и любви.

В. Перов «Суд Пугачева» ( 1875)

В. Перов «Суд Пугачева»

В начале 1870-х годов В. Перов искал новую тему для серьезной работы. В 1872 г. он писал портрет В. Даля, который сопровождал А.С. Пушкина во время поездки в Оренбург, когда он собирал материал для «Истории Пугачева», и вполне возможно, что именно В. Даль натолкнул художника  на этот сюжет. Первоначально Перов задумал серию из трех картин о Пугачёве, но работа остановилась только над одной из них.

Картина имеет явно антипугачёвский смысл. Она даже вызывает ужас перед всем изображённым: в центре картины кланяющийся в ноги Пугачёву человек и труп убитой жертвы. Чуть левее – помещик со связанными руками, к которому тянется калмык, чтобы схватить его за ворот. Возможно, он отказывается признавать в Пугачёве государя Петра III, и именно для него предназначена изображённая слева виселица…

Пугачев, в красном кафтане, сидит на крыльце, окруженный своими сообщниками. Лицо его не слишком выразительно – видимо, художник не ставил целью показать чувства и помыслы Пугачёва или просто у него это не получилось  — картина осталась неоконченной… А вот передать обстановку полного беззакония и самоуправства, стихийного бунта ему удалось. Вспоминаются слова Пушкина: «Не приведи Бог видеть русский бунт, бессмысленный и беспощадный!»

Андрей Богуш

View on Instagram

Этот художник переосмысливает привычную нам фотографию. Например, в своем проекте When Everything Is Over So We Can Discuss Андрей Богуш изменил снимки, сделанные в повседневной жизни, с помощью размытия, цветных полос или пятен, перестановки отдельных частей. Получившиеся изображения он напечатал на коврах и занавесках – так арт-объекты стали не только объемными, но и фактурными. Получается, творчество этого художника – взаимодействие цифровой, виртуальной действительности и нашего физического, реального мира. Цифровые фото – моменты из собственной жизни – Богуш редактирует и «деформирует» с помощью компьютерных программ. Создается такой эффект помех, глитча, смещения. Потом он словно возвращает картинки в физическое пространство – печатает их на разных поверхностях. Работы Андрея Богуша экспонировались в России, Финляндии, США, Исландии, Италии, Великобритании и Швейцарии.  

Recycle

View on Instagram

Еще один успешный творческий дуэт – Андрей Блохин и Георгий Кузнецов. Их арт-объекты выглядят монументальными, но при этом проработанными до мельчайших деталей, и напоминают античные скульптуры. Да и в самих образах художники в самом деле используют античные и религиозные мотивы. Они органично переплетаются с цифровой реальностью и новыми технологиями – это одна из ведущих тем в творчестве арт-дуэта. Отношениям человека и технологий посвящен не один проект Recycle. Их основные жанры – скульптура и барельеф, но можно найти и мозаику, и инсталляции, и работы в смешанной технике. Объемные серые, белые или черные фигуры с редкими яркими вставками и деталями, отсылки к современной культуре и узнаваемые образы (например, логотип фейсбука или персонажи мультсериалов) – так выглядит творчество этих авторов.  

View on Instagram
View on Instagram

Алексей Дубинский

View on Instagram

Работы этого художника можно было бы назвать абстрактным экспрессионизмом. Но за каждой абстракцией тут стоит фигура – в прямом смысле человеческий образ. Причем это не случайные люди и не плоды фантазии – это знакомые, друзья, родственники самого автора. Практически все полотна Дубинского – это портрет, но в особенном, новом исполнении. У кого-то спутанный клубок вместо головы, а чье-то лицо напоминает акварельный космос. У других же лицо – единственный четкий эпизод картины. Кроме живописи Алексей Дубинский работает в жанрах фотографии и коллажа, а порой совмещает все три варианта. Экспрессия и абстракции – всегда здорово (вместе и по отдельности), потому что мы вряд ли когда-либо узнаем, какой смысл закладывал художник, зато можем вложить свой собственный (или даже почувствовать). Но если вам все-таки хочется приблизиться к разгадке первоначальной авторской задумки – попробуйте изучать полотна целыми сериями, а не по отдельности.  

View on Instagram
View on Instagram

№15 Клод Моне (1840-1926)

Величайший современный пейзажист и гигант французской живописи, Моне был ведущей фигурой невероятно влиятельного импрессионистического движения, чьим принципам спонтанной пленэрной живописи он оставался верным всю оставшуюся жизнь. Близкий друг художников-импрессионистов Ренуара и Писсарро, его стремление к оптической правде, прежде всего в изображении света, представляется серией полотен, изображающих один и тот же объект в различных условиях освещения, и в разное время дня, как например «Стога сена» (1888), «Тополя» (1891), «Руанский собор» (1892) и «Река Темза» (1899 год). Этот метод достиг кульминации в знаменитой серии «Кувшинки» (среди всех самых известных пейзажей), созданных с 1883 года в его саду в Живерни. Его последняя серия монументальных рисунков кувшинок с мерцающими цветами была истолкован несколькими искусствоведами и живописцами как важный предшественник абстрактного искусства, а другими как высший пример поиска Моне спонтанного натурализма.

Знаменитые пейзажи Клод Моне:

— «Лягушатник» (1869), музей Метрополитен, Нью-Йорк

— «Пляж в Трувилле» (1870), Уодсворт Атенеум, Хартфорд, штат Коннектикут

— «Впечатление. Восходящее солнце» (1873), Музей Мармоттан-Моне, Париж.

— «Поле с маками возле Аржантей (Дикие маки)» (1873), Музей Орсе

— «Вокзал Сен-Лазар» (1877), Музей Орсе

— Серия картин «Кувшинки» (1897-1926), Различные художественные галереи.

— «Пруд с кувшинками» (1899), Музей Орсе

Ге. Тайная вечеря. 1863 г.

Николай Ге. Тайная вечеря. 283 х 382 см. 1863 г. Государственный Русский музей. Tanais.info

Два предыдущих шедевра Брюллова и Айвазовского были приняты публикой с восторгом. А вот с шедевром Ге все было сложнее. Не любил ее Достоевский, например. Слишком приземлённой она ему казалась.

Но больше всех были недовольны церковники. Они даже смогли добиться запрета на выпуск репродукций. То есть широкая публика ее не могла увидеть. Аж до 1916 года!

Отчего же такая неоднозначная реакция на картину?

Вспомните, как изображали Тайную вечерю до Ге. Хотя бы Леонардо да Винчи.  Стол, вдоль которого Христос и 12 апостолов сидят и трапезничают. Иуда среди них.

У Николая Ге все иначе. Иисус возлежит. Что как раз Библии соответствовало. Именно так принимали еду иудеи 2000 лет назад, по-восточному.

Христос уже произнёс своё страшное предсказание, что один из учеников предаст его. Он уже знает, что это будет Иуда. И просит его сделать, что задумал, не откладывая. Иуда уходит.

И как раз в дверях мы словно сталкиваемся с ним. Он накидывает на себя плащ, чтобы уйти в темноту. И в прямом, и переносном смысле. Его лица почти не видно. А его зловещая тень падает на оставшихся.

В отличие от Брюллова и Айвазовского, здесь более сложные эмоции. Иисус глубоко, но смиренно переживает предательство ученика.

Пётр возмущён. У него горячий характер, он вскочил и недоуменно смотрит в след Иуде. Иоанн не может поверить в происходящее. Он, как дитя, который впервые столкнулся с несправедливостью.

А ещё апостолов меньше двенадцати. Видимо, для Ге это не было столь важным уместить всех. Для церкви же это было принципиально. Отсюда и цензурные запреты.

В. Верещагин «Мир во что бы то ни стало. Наполеон и генерал-адъютант Лористон» (1899—1900)

В. Верещагин «Мир во что бы то ни стало. Наполеон и генерал-адъютант Лористон»

Эта картина из серии, посвящённой Отечественной войне 1812 г. Наполеон, заняв Москву, надеялся на то, что Александр I пойдёт на его мирные предложения, заявленные ещё месяц назад в Смоленске. Наполеон видит, что его армия разваливается, что в России разворачивается народная война, что впереди – холода и непогода… Наполеону во что бы то ни стало нужен мир. 23 сентября он посылает к Кутузову, который в это время находился в Тарутино, своего генерал-адъютанта Лористона для предложения мирных переговоров. Кутузов принимает Лористона, но объявляет ему, что никаких переговоров о мире быть не может: «Не имею на это никакого наставления; при отправлении меня к армии и название мира ни разу не упомянуто. Впрочем — все сии слова, от вас мною слышанные, происходят ли они из собственного суждения, либо имеют источник свыше, я ни в каком случае передать своему Государю не желаю. Я подверг бы себя проклятию потомства, если бы сочли, что я подал повод к какому бы то ни было примирению; таков, в настоящее время, образ мыслей нашего народа».

На лице Наполеона мы не видим его обычной самоуверенности и превосходства – это лицо уставшего и надеющегося на благополучный исход переговоров человека.

Знаменитые русские портретисты

В России так же было много талантливых художников, которые не только копировали стиль зарубежных мастеров, но и создавали свой собственный. Они подарили миру много известных портретов.

Карл Брюллов

Современники называли его «вторым Рафаэлем». Его полотно «Последний день Помпеи» было признано шедевром 19 века. Брюллов прославился, благодаря красивым портретам высшей знати, в том числе, изображений Екатерины Второй. Кроме того, на его картинах можно увидеть мифологические сюжеты.

Иван Крамской

Художник-передвижник и автор одной из самых загадочных картин «Незнакомки». Специалисты до сих пор спорят, кто изображен на полотне. Но Крамского интересовала не только портретная живопись, но и изображение батальных сцен. Позднее он стал художественным критиком и отмечал, что живописцы слишком мало внимания уделяют внимания социальным проблемам России в своем творчестве.

Михаил Врубель

Один из самых талантливых художников с трагической судьбой. Его работы сравнивали с ночными сновидениями — такие же таинственные и неуловимые. У Врубеля была удивительная особенность — эйдетизм. Это особый вид зрительной памяти, когда человек не просто представляет себе образ, а видит его словно на фотографии.

Валентин Серов

Люди, далекие от изобразительного искусства, знают его по картине «Девочка с персиками». Его называли мастером портрета. Живописец был академиком Императорской Академии Художеств.

Валентин Серов был деятельным человеком, принимавшем активное участие в жизни деятелей искусства. Состоял в совете Третьяковской галереи, рисовал иллюстрации к журналу, позднее присоединился к художникам-передвижникам.

Константин Маковский

Многие называли его предвестником импрессионизма в России. Некоторые полагали, что он в своих картинах изображает идеалы передвижничества. Но несмотря на противоречивые отзывы о своем творчестве, Маковский был самым высокооплачиваемым художником своего времени. А на Всемирной выставке Париже за свою работу получил золотую медаль.

Илья Ефимович Репин

Не только широко известный портретист, но и талантливый педагог. Он преподавал в Императорской Академии Художеств. Является основоположником русского реализма. Своим примером Репин доказал, что благодаря таланту и упорному труду можно добиться больших успехов в жизни.

За отличную учебу в Академии был награжден поездкой за границей, где смог почерпнуть вдохновение для своего творчества. Его портреты отличаются тонким психологизмом, умением передать всю глубину эмоций человека.

В России было много талантливых портретистов, которые стали известны далеко за пределами Родины. К тому же многие их них вели активную общественную деятельность и освещали в своем творчестве социальные проблемы России.

№ 26. Алексей Боголюбов — 1,58 млн фунтов

А. Боголюбов. «Вид на храм Христа Спасителя из Кремля». 1878

Продажа этого малоизвестного художника, пусть и любимого пейзажиста царя Александра III, за такие безумные деньги — симптом бешенства рынка накануне кризиса 2008 года. Тогда русские коллекционеры были готовы покупать даже второстепенных мастеров. Тем более, что первоклассных художников продают редко.

Возможно, эта картина отправилась в подарок какому-нибудь чиновнику: у нее подходящий сюжет, ведь Храм Христа Спасителя давно перестал быть просто церковью, и стал символом. И льстящее происхождение — картина хранилась в царском дворце

Обратите внимание на детали: кирпичная кремлевская башня покрыта белой штукатуркой, а холм внутри Кремля совершенно необустроен. Ну, а зачем было стараться? В 1870-х столицей был Петербург, а не Москва, и Кремль не являлся резиденцией. 

Андрей Рублев

Андрей Рублев – самый известный русский иконописец. О нем мало, что известно. Есть предположение, что он родился в семье ремесленников. Принял монашеский постриг, тогда и получил имя Андрей.

Первые упоминания о нем датированы 1405 годом. Он участвовал в росписи стен Благовещенского собора в Московском Кремле.

У Рублева свой стиль, не похожий на другие. Его иконы наполнены гармонией, в них нет трагизма. Свою жизнь художник отдал на служение Богу.

Его последняя работа не сохранилась, Рублев трудился над фресками для Спасского Собора. Он не успел их закончить, заболел чумой и вскоре скончался.

Самые известные иконы: «Троица», «Христос-вседержитель», «Вознесение Господне».

«Первый снег»

Запоминающейся и очень трогательной является картина советского художника Аркадия Пластова. Она была написана в 1946 году и в настоящее время находится в городе Тверь, в Областной картинной галерее.

Первый год после войны, реальный пейзаж и дом в деревне Прислониха и два ребенка — мальчик и девочка, написанные сразу с нескольких разных детей, живших там же и по очереди позировавших художнику. Простая и искренняя радость от первого снега, непосредственное счастье от возвращения к мирной жизни — дети не забыли ужасы войны, но она не позволила их сердцу зачерстветь и разучиться видеть поводы для улыбок.

Дети — излюбленные герои полотен Аркадия Александровича, но именно эта работа удостоилась самого большого внимания и признания: не только от советских деятелей искусств и представителей власти, но и на международных выставках и конкурсах.

«После дождя (Мокрая терраса) «

В отличие от «Ленина на трибуне», эта картина Герасимова, созданная в 1935 году гораздо ближе к его излюбленному стилю и импрессионистскому настроению. И, наравне с «Двойкой» и «Утром», «После дождя» знакома всем по школьному курсу и обязательному сочинению на ее основе.

Уникальной и запоминающейся картину делает удивительно точно переданное Александром Михайловичем ощущение свежести после дождя — несмотря на то, что пейзаж выполнен вне жанра реализм, создается иллюзия запаха от намокших листвы, цветов, стола и террасы.

Стоит заметить, что, наравне с «Новой Москвой» Пименова, полотно «После дождя» тоже было представлено на Всемирной выставке в Париже, где удостоилось Гран-при. В настоящее время картина находится в Москве и выставляется в Третьяковской галерее.

«Большевик»

Классической и самой популярной картиной первых послереволюционных лет можно смело назвать полотно «Большевик», написанное Борисом Кустодиевым в 1920 году. Попытавшись осмыслить приход новой власти, знаменитый художник решил создать аллегорическую картину, хотя прежде и не прибегал к подобному выразительному средству. Огромный Большевик, символизирующий новую власть, серьезно и целеустремленно шагает над городом, ступая по улицам, наводненным людьми. Ярко-красный флаг окутывает вершины зданий, уходя далеко вглубь полотна.

Любопытно, что сам Кустодиев боялся, что его картину могут понять превратно, а потому не стал отправлять «Большевика» на выставку. Однако страхи не оправдались и полотно не только приобрело огромную популярность, но еще и стало своеобразным символом революции.

Увидеть это полотно Кустодиева можно в московской Третьяковской галерее.

№ 19. Константин Маковский — 2,03 млн фунтов

К. Маковский. «Из повседневной жизни русского боярина в конце XVII века». 1868

Маковский — салонный живописец, известный огромным количеством головок боярышень в кокошниках и сарафанах, а также картиной «Дети, бегущие от грозы», которую одно время постоянно печатали на подарочных коробках шоколадных конфет. Его сладкие исторические картины пользуются стабильным спросом среди русских покупателей.

Тема этой картины — древнерусский«поцелуйный обряд». Знатным женщинам на Древней Руси не разрешалось покидать женскую половину, и только ради почетных гостей они могли выйти, поднести чарку и (самая приятная часть) позволить поцеловать себя

Обратите внимание на картину, висящую на стене: это изображение царя Алексея Михайловича, один из первых конных портретов, появившихся на Руси. Композиция его, хоть и была нагло скопирована с европейского образца, считалась необыкновенно новаторской и даже шокирующей для того времени

№2 Томас Коул (1801-1848)

Томас Коул: Величайший американский пейзажист начала XIX века и основатель школы реки Гудзон, Томас Коул родился в Англии, где работал учеником гравёра до эмиграции в США в 1818 году, где он быстро добился признания как художник пейзажей, поселившись в деревне Катскилл в долине Гудзона. Будучи поклонником Клода Лоррейна и Тёрнера, он посетил Англию и Италию в 1829-1832 годах, после чего (отчасти благодаря поддержке, которую он получил от Джона Мартина и Тёрнера) он стал меньше сосредотачиваться на изображении природных пейзажей и больше на грандиозных аллегорических и исторических темах. В значительной степени впечатлённый природной красотой американского пейзажа, Коул наполнил большую часть своего пейзажного искусства большим чувством и очевидным романтическим великолепием.

Знаменитые пейзажи Томаса Коула:

— «Последний из могикан» (1827), холст, масло, Художественный музей Фенимора, Нью-Йорк

— «Вид на Катскилл — Ранняя осень» (1837), холст, масло, музей Митрополит, Нью-Йорк

— «Американское озеро» (1844), холст, масло, Детройтский институт искусств

№8 Архип Куинджи (1842—1910 гг.)

«Ладожское озеро», 1873 г. Государственный Русский музей (Санкт-Петербург), Архип Куинджи

Архип родился в Мариуполе, в простой семье грека-сапожника. С детства он отличался трепетной любовью ко всему живому. Мальчик рано стал сиротой, работал у хлеботорговца, у фотографа, и даже помогал при строительстве церкви. Рисовал на всем, что попадалось под руку.

В Петербург ради Академии художеств он приехал почти без денег, никого не зная. Но ему помогало упорство и горячее желание учиться. Куинджи стал посещать Академию в качестве вольнослушателя, подружился с Крамским, Васнецовым, Репиным. Под их влиянием написал несколько пейзажей, имевших успех на выставках. И все же искал собственный путь в искусстве.

Со временем его приняли в общество передвижников. Вдохновленный их идеями, Куинджи создает «Осеннюю распутицу», «Забытую деревню». В них он показывал неприглядную мрачную действительность. Работы были высоко оценены зрителями и коллегами, но спустя четыре года живописец попрощался с передвижниками. Для него стало важнее отражать в своих полотнах радость.

Куинджи называли художником света. Во многом благодаря его таланту тонко передавать световые потоки и его любви к жизни. В своих пейзажах он создает образы, полные красоты и гармонии. Они не только удивляют реализмом, но и дарят умиротворение.

Яркими пейзажами можно назвать «Лунную ночь на Днепре», «После дождя», «Ладожское озеро», «Радугу», «Вечер на Украине». «Березовую рощу», «Снежные вершины».  

1. Иван Айвазовский

Иван Айвазовский – один из самых знаменитых русских художников. Родился он в Феодосии. С детских лет Айвазовский проявлял свои невероятные творческие способности: он обожал рисовать и сам научился игре на скрипке.

В 12 лет юный талант начал учиться в Симферополе в академии живописи. Здесь он учился копировать гравюры и писать картины с натуры. Спустя год он сумел поступить в петербургскую Императорскую академию, хотя и не достиг ещё возраста 14 лет.

Долгое время художник ездил по Европе и жил в Италии, где его картины также были признаны по достоинству. Так молодой художник из Феодосии стал довольно известным и богатым человеком.

Позже Айвазовский вернулся на родину, где получил мундир Морского министерства и звание академика. Также художник побывал в Египте и присутствовал при открытии нового Суэцкого канала. Все свои впечатления художник описывал в картинах. К этому времени у него уже выработался свой неповторимый стиль и способность писать по памяти. Сложные элементы Айвазовский бегло зарисовывал в блокнот, чтобы позже перенести их на полотно. Всемирно известность ему принесли картины «Одесса», «Девятый вал» и «Чёрное море».

Последние годы жизни художник провёл в Феодосии, где построил себе дом в итальянском стиле. Чуть позже Айвазовский пристроил ещё к нему небольшую галерею, чтобы все могли свободно насладиться его удивительными картинами и утонуть в океане красок. Сегодня этот особняк всё также служит музеем и множество посетителей ежедневно приходит сюда, чтобы собственными глазами увидеть мастерство мариниста, который прожил долгую и счастливую жизнь.

Ракурс

Художник может изобразить человека на полотне:

• в полный рост (Валентин Серов «Портрет актрисы Ермоловой»);
• по колени (Рембрандт «Портрет старика»);
• по бедра (Брюллов А.П. «Портрет Н.Н. Пушкиной»);
• по пояс (Луи Токке «Портрет дофина Людовика»);
• по грудь (Аргунов Иван «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме»).

На портрете может быть разное положение головы:

• в анфас — когда модель смотрит прямо (Иван Крамской «Портрет крестьянина»);
• в четверть поворота направо или налево (Илья Репин «Портрет композитора М.П. Мусоргского»);
• в три четверти (Караваджо «Святая Екатерина Александрийская»);
• в профиль (Сандро Боттичелли «Женский портрет»).

На выбор ракурса и положения влияет обстановка, соотношение света и тени, и задумка самого живописца.

№ 7. Илья Репин — 4, 52 млн фунтов

И. Репин. «Парижское кафе». 1875

Картины классика такого калибра, как Репин, в продаже оказываются крайне редко — они давно разошлись по музеям. Это полотно в 1916 году купил один шведский коллекционер, и с тех пор оно оставалось скрытым от глаз публики. За 95 лет его показывали только трижды — последний раз на предаукционной выставке в Москве.

Сценка из парижской жизни написана молодым художником, который уже заработал себе репутацию обличительными «Бурлаками», во время его учебы в Париже. Сейчас нам этого не понять, но на самом деле, изображенная сцена — крайне скандальна: женщина посмела явиться в кафе без сопровождения! Значит, это дама полусвета, падшая женщина… Джентльмены осуждающе смотрят на нее, покидая оскверненное место. Русские критики Репина обругали за такой фривольный сюжет и призвали вернуться к правильным «русским» народническим темам, что он и сделал

Обратите внимание — дама спокойна и безразлична к осуждению толпы. Но спустя 20 лет Репин переписал ее фигуру, придав ей стыдливое выражение — так картина становилась нравоучительной

Шведский владелец, сделав рентген, восстановил первоначальный вариант.

Самые дорогие портреты русских художников

Посмотрим, искусство каких русских художников особенно ценится на крупных аукционах в последнее время. Мы рассмотрим несколько наиболее крупных уходов портретов в период с 2000 по 2020 годы.

Первую тройку самых дорогих портретов открывают образы женщин. Дороже всего оценили образ актрисы кабаре, запечатленной художницей Тамарой де Лемпицки в работе Portrait de Marjorie Ferry. Эта работа была выставлена в аукционном доме Christie`s в 2020 году и ушла с молотка за 21 млн долларов (16,3 млн фунтов стерлингов).

Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.

На втором месте оказался портрет «Шокко» художника Алексея Явленского. Картина была представлена на аукционе Sotheby`s в 2008 году и ушла за 18,6 млн долларов.

А. Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)». Около 1910 г.

Замыкает тройку портрет Марии Цетлиной, созданный Валентином Серовым. Это великолепная работа попала на аукцион Christie`s в 2014 году из музея и, конечно, вызвала ажиотаж среди покупателей. Ее охотно купили за 14,5 млн долларов (9,3 млн фунтов). Подробнее о трех описанных картинах вы можете почитать в статье о самых известных женских портретах.

В. Серов. Портрет Марии Цетлиной. 1910 г.

На четвертом месте расположился портрет «Маленький ковбой», созданный известным русских художником Николаем Фешиным. Эта работа поступила на аукцион MacDougall`s в 2010 году из галереи Stendahl Лос-Анджелеса. Холст считается одним из самых блестящих портретов художника, в котором Фешину удалось создать целостный и колористически изящный образ маленького ковбоя. Так как за полгода до этого картина уже уходила с аукциона William Doyle за 500 тыс. евро, на MacDougall ее выставили по стартовой цене 500-700 тыс. фунтов. Однако один из телефонных покупателей так горячился, что нередко прибавлял сразу по полмиллиона фунтов. В итоге жарких торгов цена взлетела до рекордных 7 млн фунтов (10,9 млн долларов), что стало сенсационной продажей. После этого Фешин оказался в десятке самых дорогих продаж картин в категории русской живописи. На февраль 2021 года он переместился на 13 место, но по-прежнему обгоняет своего учителя Илью Репина.

Н.И. Фешин. «Маленький ковбой». 1940 г.

Еще один портрет, проданный за миллионы долларов, принадлежит талантливому русскому художнику Юрию Анненкову. Живописец создавал картины в своей оригинальной манере, используя самые разные приемы, смешивая стили и направления так, что даже критики не могли предугадать его следующей работы. Именно эта оригинальность и живописная смелость привели его к славе и узнаваемости его картин, особенно портретов. В 2014 году на торги аукционного дома Christie`s попал один из таких ярких портретов, созданный в смешанных стилях. На картине запечатлен А.Н. Тихонов, а сама она экспонировалась на международной выставке в Венеции в 1924 году. С аукциона портрет ушел за 6,2 млн долларов (4 млн фунтов).

Ю.П. Анненков. Портрет А. Тихонова. 1922 г.

Портреты известных русских художников можно перечислять еще долго, ведь в этом жанре работали не только портретисты, но и пробовали себя практически все именитые мастера живописи. Одни из них писали популярных современников и знатных особ, другие искали и создавали свой образ женщины через женские портреты, а третьи не менее увлеченно писали самих себя. Благодаря этому зритель сегодня может найти в русском портрете большое разнообразие образов, эмоций, идей и художественных приемов.